Duccio di Buoninsegna

Pintor italiano, precursor del estilo renacentista, que llevó a la cumbre el arte medieval italiano de tradición bizantina. Nació en Siena y fue el fundador de la escuela pictórica de esta ciudad. Sus trabajos, de carácter religioso, se caracterizan por la sensibilidad del dibujo, la habilidad de la composición, la calidad decorativa similar a los mosaicos y una intensidad emocional mayor que la del modelo bizantino que seguía. Su obra más famosa, y la única firmada, es la Maestà (1308-1311), un gran retablo pintado por ambas caras. La parte frontal muestra a la Virgen entronizada y rodeada de un gran número de ángeles, santos y apóstoles, levemente naturalistas. El reverso del retablo (que fue separado en 1795) contiene 26 escenas del magisterio y la pasión de Cristo. En algunas ya puede verse un tratamiento nuevo, más realista de la perspectiva. Las escenas de la predela (pintura de la zona inferior del retablo bajo el panel central) se hallan dispersas en varios museos. Otra pieza fundamental de Duccio di Buoninsegna es la Madonna Rucellai (encargada en 1285). Se trata de un retablo que
muestra a la Virgen sentada en el trono con el Niño Jesús, con un fondo de oro de tradición bizantina y flanqueada por ángeles de rodillas. Esta obra la pintó para la iglesia de Santa María Novella de Florencia y en la actualidad se encuentra en la Galería de los Uffizi. Entre todas las obras que se le atribuyen están algunos paneles pequeños y polípticos de la Virgen.

Ambrogio Lorenzetti

Pintor italiano. No se sabe prácticamente nada de la vida de este pintor sienés del siglo XIV, que fue una de las figuras más destacadas de su tiempo. Está documentada su actividad artística entre 1319 y 1348, en algunos casos en colaboración con su hermano Pietro, pintor también, y se supone que murió durante la peste negra de 1348.

Pese a que en aquella época existía en Siena una importante escuela pictórica, encabezada por Duccio de Buoninsegna, Ambrogio se formó en Florencia, con Giotto, y su obra es claramente deudora de la del maestro florentino. Su primera tabla documentada es la Virgen de la iglesia parroquial de Vico d'Abate, cerca de Florencia.

A partir de 1326 trabajó con Pietro en dos importantes ciclos de frescos: los del claustro y la sala capitular del convento de San Francisco, en Siena, recordados por Ghiberti en sus escritos y de los que sólo se conservan dos pasajes, y las escenas de la Vida de María en la fachada del Hospital de Siena, perdidas.

Poco después de terminar esta obra, Ambrogio empezó la serie de frescos del Palacio Público de Siena, que representan las Alegorías del buen y mal gobierno. Este ciclo excepcional es el que hace de este creador un pintor de primera línea, que supo incorporar a su estilo las grandes novedades iconográficas y estilísticas de su tiempo.

Brunelleschi

Artista italiano, uno de los maestros fundamentales de la transición hacia el renacimiento. Sus aportaciones, como la recuperación de los motivos clásicos y la capacidad para trasladar a sus obras las leyes matemáticas de la proporción y la perspectiva, le convirtieron en el primer arquitecto de la edad moderna. Brunelleschi nació en Florencia en 1377. En 1401 participó, aunque no resultó premiado, en el famoso concurso para el diseño de las puertas de bronce del baptisterio de su ciudad. Más tarde se dedicó a la arquitectura, y en 1418 recibió el encargo de construir la cúpula inacabada del Duomo, la catedral gótica de Florencia. Su proyecto, que representó una gran innovación no sólo artística, sino también técnica, consistía en la superposición de dos bóvedas esquifadas octogonales, una dentro de otra. Esta disposición permitía un reparto de esfuerzos junto con una ligereza excepcional, y se convirtió en el modelo constructivo de cúpula durante varios siglos. En otros edificios florentinos, como la iglesia de San Lorenzo (1418-1428) y el hospital de los Inocentes (1421-1455), Brunelleschi perfeccionó su estilo austero y geométrico, inspirado en la antigua Roma y completamente diferente del gótico florido que prevalecía en su época.
característica principal consistía en el predominio del rigor matemático, marcado por el empleo de nervios ortogonales, líneas rectas, planos lisos y espacios cúbicos. Esta arquitectura de fachadas planas se convirtió en un paradigma para la ejecución de la mayoría de los edificios posteriores del renacimiento florentino. Hacia el final de su carrera, sobre todo en edificios como la inacabada iglesia de Santa Maria degli Angeli (comenzada en 1434), la basílica del Santo Spirito (comenzada en 1436) y la capilla Pazzi (comenzada en 1441), todos ellos en Florencia, abandonó el estilo lineal y geométrico para adoptar otro más escultórico. En el primero de los edificios citados, por ejemplo, el interior no está compuesto sólo por muros planos, sino que éstos alternan con profundos nichos que se abren hacia un espacio interior octogonal. Este estilo, con sus rítmicos contrastes entre vacíos y llenos, fue el primer paso hacia el renacimiento tardío de Miguel Ángel, que a su vez inspiró a los arquitectos barrocos.

Brunelleschi también fue un artista innovador en otras disciplinas. Junto con el pintor Masaccio, fue el primer maestro renacentista que recopiló las leyes de la perspectiva. Realizó dos pinturas siguiendo estas leyes, quizá entre 1415 y 1420, y también se cree que pintó el fondo arquitectónico de una de las obras primitivas de Masaccio. La influencia de Brunelleschi fue enorme entre sus contemporáneos y sus sucesores inmediatos, e incluso ha llegado hasta el siglo XX, dado que muchos arquitectos modernos lo consideran como el primer arquitecto racionalista. Murió en Florencia en 1446.

Botticcelli

 

Alessandro di Mariano Filipepi;nacióen Florencia, 1445 -murió en 1510 Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.
Éste comenzó su trayectoria artística con obras de temática religiosa, en particular vírgenes que, como la Virgen del Rosal, denotan un gran vigor compositivo.

En 1470, Botticelli, que contaba ya con un taller propio, se introdujo en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más famosas. Un primo de Lorenzo el Magnífico, Pier Francesco de Médicis, le encargó la alegoría de La primavera y también, al parecer, El nacimiento de Venus y Palas y el centauro.

El hecho de que en 1481 fuera llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina junto con otros tres grandes maestros, hace suponer que ya gozaba de un gran prestigio.Eclipsado por las grandes figuras del siglo XVI italiano, Botticelli ha permanecido

ignorado durante siglos, hasta la recuperación de su figura y su obra a mediados del siglo XIX.

Donatello

 

 Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386,1466.Escultor italiano. Junto con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. desde joven se formó con Ghiberti colaborando en los relieves de las puertas del Baptisterio de San Juan de Florencia. Posteriormente, trabajó con Brunelleschi. Conocedor de la antigüedad clásica, cuya influencia se reflejará a lo largo de su obra, sus inicios están marcados por la escultura gótica. Así, sus primeras obras son las estatuas  

de San Marcos, San Jorge, San Juan Evangelista y 

 Josué, todas ellas en Florencia.

El clasicismo más vigoroso se muestra a partir de 1425, cuando empieza a trabajar con Michelozzo y en la ciudad de Roma, donde esculpe "El entierro de Cristo" y el cáliz de la sacristía 

    de la Basílica de San Pedro. De nuevo en Florencia realiza su obra más sobresaliente, el David en bronce.

Después de 1435, su estilo se desliza claramente hacia el realismo y la acción                                                                                                      

dramática, dando a sus personajes una mayor fuerza expresiva y psicológica. De este período son El Condottiero Gattamelata, "Judith y Holofernes" y "Los milagros de San Antonio". La expresividad        

de su obra en esta época sentará escuela no sólo entre los escultores posteriores sino también entre pintores.

Gattamelata

Masaccio

Arezzo-1401, Roma-1428 .Pintor italiano. La carrera artística de Masaccio es interesante, primero, por la sorprendente relación entre la brevedad de su vida (murió a los veintisiete años) y la importancia, además de relativa abundancia, de sus creaciones, y segundo, por su aportación decisiva al Renacimiento, ya que fue el primero en aplicar las reglas de la perspectiva científica.

Masaccio se trasladó a Florencia cuando aún era muy joven, y en 1422 figuraba inscrito en el gremio de pintores de esta ciudad.

Su primera obra documentada, el tríptico de San Juvenal (1422), es una creación que supera plenamente el gótico.

La composición a base de pocas figuras esenciales y la plasmación natural de la luz definen su estilo característico, que se despliega plenamente en su obra maestra: el ciclo de frescos sobre la Vida de san Pedro y la Expulsión del Paraíso, que pintó para la capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine, en Florencia, en colaboración con Masolino. 
Las figuras de Adán y Eva expulsados del Paraíso son prototípicas de la concepción que Masaccio tenía de la pintura, basada en la masa y el volumen de las figuras, en una única fuente de luz y en la representación científica de la perspectiva.
Masaccio se trasladó a Roma, donde murió de repente, se ha llegado a decir que por envenenamiento.

Giotto

 

Angel Giotto di Bondone, nació en Florencia en 1266 y murió en 1337. Pintor y arquitecto italiano del Trecento considerado uno de los primeros artistas que contribuyó a la creación del Renacimiento italiano.

Tuvo por maestro a Cimabue, quien le halló en cierta ocasión dibujando con carbón las ovejas que, como zagal, apacentaba.

En 1303 Giotto decoró, en Padua, la capilla Scrovegni de la iglesia de Santa María de la Arena, con unos frescos que se distinguen por la excelente combinación de la arquitectura con la pintura y son escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento.

En 1328 el duque Carlos de Calabria le encargó un retrato suyo para el palacio de la Señoría y, por mediación de Carlos, le llamó a Nápoles (1330) el rey Alberto; pero las pinturas allí existentes y a él atribuidas, no son suyas, con todo y revelar su influencia.

En 1334 volvió a Florencia, siendo nombrado arquitecto de aquella catedral y de todos los edificios públicos. Empezó el decorado de la fachada, y en 1336 la construcción del campanario, a cuya terminación no sobrevivió.

Tanto en la técnica como en la aplicación del color fue un verdadero innovador; dio a los colores claridad y transparencia e introdujo en el arte pictórico una distribución de luz y sombras, moderada, amplia, y plástica.

Torre de Pisa

El campanile, es la torre de la alarma de la catedral. Su construcción comenzó en agosto de 1173. Ya se habían levantado tres pisos cuando las obras se suspendieron debido a un hundimiento. 

Su construcción se recomenzó en 1275, y ya entonces se llevaron a cabo los primeros intentos para contrarrestar la inclinación de su estructura.Hacia 1301 se habían erigido los seis pisos principales y hacia finales del siglo XIV se concluyó definitivamente. En el pasado se creía que la inclinación de la torre era parte del proyecto, pero ahora sabemos que no. La torre fue diseñada para ser " vertical " y comienza a inclinarse durante su construcción. Fueron realizados grandes esfuerzos para detener la inclinación, utilizando dispositivos especiales de construcción; columnas posteriores y otras piezas dañadas fueron substituidas en más de una ocasión; hoy, las intervenciones se están realizando dentro del subsuelo para reducir perceptiblemente la inclinación y cerciorarse de que la torre tendrá una larga vida.
La torre se eleva 55m sobre una planta circular de 16 m de diámetro y presenta una inclinación máxima de unos 4 m sobre la vertical. Su peculiaridad estructural suele eclipsar su interés intrínseco como una de las joyas de la arquitectura románica italiana. Está compuesta por seis pisos de arquerías de mármol tallado que presentan unos relieves excelentes, en especial en la portada, decorada por esculturas de animales grotescos. La escalera interior cuenta con 294 escalones que conducen al campanario propiamente dicho, donde se conservan las antiguas campanas pero no se tañen. Galileo realizó desde el último piso su célebre experimento sobre la gravedad.

Baptisterio

El baptisterio de Pisa, proyectado por Diotisalvi y comenzado en 1152, es de planta circular y su decoración se basa en la de la catedral. Está rodeado por una especie de deambulatorio de dos niveles, con bóvedas sostenidas por pilares y columnas alternativamente. Un siglo después se añadieron adornos góticos. La cúpula, por su parte, data del siglo XIV. El campanil, obra de Bonnano, es una torre cilíndrica, decorada con galerías de arcadas al estilo de la catedral. El portal, que queda frente a la fachada de la catedral, está flanqueado por dos columnas clásicas, mientras que las jambas interiores están ejecutadas en estilo bizantino.

Púlpito 

El Púlpito del baptisterio de Pisa está ornamentado con losas de mármol esculpidas con relieves narrativos que representan la Anunciación y la Natividad, la Adoración de los Reyes Magos, la Presentación en el Templo, la Crucifixión y el Juicio Final; mientras que en los capiteles aparecen intercaladas personificaciones de las Virtudes.planta hexagonal y sostenido por 7 columnas. Algunas de éstas están asentadas sobre leones, mientras que la columna central descansa sobre un plinto esculpido de figuras de animales y gnomos.
Esta tenía algunas diferencias con la de su hijo, como la planta que eran diferentes, este púlpito se apoya en algunas figuras y el otro no, alrededor de las columnas del púlpito de la catedral hayfiguras y en este no.

Pisa

Pisa es un municipio de la región italianade la Toscana y es la capital de la homónima provincia.

En ella nos encontramos la Plaza de los Milagros. Es una amplia área amurallada en el corazón de la ciudad de Pisa,  renombrada como uno de los principales centros de arte medieval del mundo. En parte pavimentada y en parte cubierta de hierba, está dominada por cuatro grandes edificios religiosos: El Duomo, la Torre inclinada de Pisa, el Baptisterio y el Camposanto.

Catedral de Pisa(Duomo)

El conjunto catedralicio de Pisa fue erigido como verdadero símbolo de la ciudad que ejercía su hegemonía sobre el Mediterráneo occidental. El edificio proyectado por el maestro Buschetos era un edificio
cruciforme, de cinco naves con otras tres de crucero, disponiendo tres ábsides, uno en cada extremo de la cruz. El intercolumnio es de arquerías sobre columnas, corriendo por encima de ellos una tribuna.Durante el siglo XII, se prolongaron varios tramos del brazo mayor, creándose así una planta de cruz latina.  Es una etérea fachada-pantalla, de cuatro órdenes de arquerías. La aplicación de mármoles de Carrara para conseguir efectos cromáticos y la utilización de galerías de arcos para ocultar la rotundidad de los muros.
Presenta en sus características arquitectónicas un llamativo eclecticismo que se deja ver en las diversas influencias tanto clásicas como lombardas y orientales. En esta vista interior se advierte una clara evocación a la basílica paleocristiana en la concepción del espacio y el artesonado que cubre la nave central, asi como la huella del mundo oriental en la policromía de los mármoles y el arco apuntado que da paso al presbiterio.

Ábside

En el ábside se encuentra el impresionante mosaico que representa a San Juan Evangelista, ejecutado por el gran pintor y creador de mosaicos de estilo bizantino Cimabue. Gran interés ofrecen los mosaicos con que los bizantinos revestían las paredes y bóvedas. Los temas son, en la mayoría de los casos, del Nuevo Testamento: los Apóstoles, los Reyes Magos, el Buen Pastor, las Santas Vírgenes, el Salvador, etc.

Púlpito

Su creador es Giovanni Pisano.Su obra entre 1302 y 1310 en el nuevo púlpito para la Catedral de Pisa muestra su distintiva preferencia por el movimiento en sus personajes, alejándose aún más del estilo de su padre. Muestra nueve escenas del Nuevo Testamento, grabado en mármol blanco con un efecto de claroscuro. Contiene incluso una osada representación naturalista de un Hércules desnudo. Su figura Prudencia en el púlpito pudo haber sido una inspiración para la Eva en la pintura la expulsión del jardín del edén de Masaccio. Este púlpito con sus dramáticas escenas se ha convertido en su obra maestra.diseña el púlpito con planta circular sobre una columna central donde adosa las tres virtudes a modo de cariátide.

Gótico

El arte gótico es el que corresponde a la Baja Edad Media. Es un período dinámico desde el punto de vista socioeconómico, muy variado, con intensos contactos con Oriente a través de las cruzadas y las rutas comerciales, la burguesía nace en las ciudades.

     La orden del Císter fue la que creó y difundió el nuevo estilo, tras la reconstrucción de la abadía de San Denis por el abad Suger. Era una arquitectura sobria, austera y luminosa.

El Gótico en Europa

     Francia es la cuna del gótico. En la fase protogótica encontramos los edificios cistercienses como la abadía de San Denis, y Notre-Dame de París. En el período clásico destacan las catedrales reales, Reims, Amiens y Chartres. En el período manierista destaca la Santa Capilla de París y la catedral de Rouen.

     En Inglaterra el gótico presenta tres etapas: el estilo primitivo, catedral de Canterbury; el estilo decorativo, catedral de York; y el estilo perpendicular, catedral de Westminster.

     El gótico apenas entró en Italia. Pero lo característico del gótico italiano es la arquitectura civil. Destacan la cartuja de Pavía, el Ayuntamiento de Perusa y el palacio ducal Casa del Oro en Venecia.

     En Portugal el gótico llega a través de España: convento de Batalha y el monasterio de Alcobaça. En los siglos XV y XVI se desarrolla el original estilo manuelino: monasterio de Belem. 

Arquitectura Gótica 

El gótico se caracteriza por la verticalidad y la luz, que es el reflejo de la divinidad. Su expresión más típica es la catedral, en la que encontramos todos los elementos del arte gótico.

     Utiliza un nuevo tipo de arco y de bóveda: el arco ojival y la bóveda de crucería, lo que posibilita un muro diáfano que se recubre con vidrieras. Los rosetones son el marco privilegiado de las vidrieras de colores.

     Predominan las plantas de cruz latina en las que se distingue: la cabecera, el crucero y las naves, de tres a cinco. La cabecera tiene girola y capillas radiales. La nave central y el crucero son más anchos y altos que las laterales.

     Aparece el pilar fasciculado, que tiene el fuste formado por varias columnillas delgadas (baquetones). En el edificio gótico se necesita un sistema de contrapeso adicional: los arbotantes.

     Es la época de la bóveda de crucería, que permite cubrir espacios rectangulares a mayor altura. Está formada por dos arcos (nervios) que se cruzan en la clave. El resto de la superficie se cubre con plementos.

     Las vidrieras se organizan en tracerías. Cada vidriera posee un armazón de hierro y un emplomado.

  La portada se revaloriza. En ella se colocan las torres y las puertas. La fachada típica tiene forma de H. Está formada por dos torres cuadradas, rematadas con un elemento piramidal. Poseen tres niveles: la portada de entrada, los ventanales y el rosetón.

     En el alzado de la catedral se distinguen tres partes: la arquería, el triforio y el claristorio o ventanales.

     Además de las catedrales adquieren importancia otros edificios civiles. Se levantan el ayuntamiento, las lonjas, sin dejar de construirse castillos y fortificaciones militares. 

Edificios de Italia

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

           Palazzo Vecchio

 

 

 

 

 

 

Catedral de Siena

 

 

 

 

 

 

 

 

Palazzo Pubblico

 

Escultura Gótica

La escultura gótica está caracterizada por el interés hacia la naturaleza manifestado por los artistas.

Conserva el carácter monumental y grandioso de herencia románica pero las figuras están dotadas de mayor expresividad, abandonando la deshumanización. Las imágenes se comunican entre sí expresando sentimientos, alegría, tristeza, dolor, etc., hasta llegar al patetismo en el siglo XV. Con la escultura gótica reaparece también el retrato. 

Podemos hablar de varias etapas en el desarrollo escultórico del Gótico.
Durante el período protogótico destaca el conjunto del pórtico de la Gloria, en España, atribuido al maestro Mateo y el pórtico real de Chartres. Este primer periodo es de grandes composiciones , con escasos pliegues en los ropajes.
El siguiente periodo es el clásico encontramos una tendencia a la belleza ideal, a la ingenuidad y a la sencillez. Suelen ser conjuntos narrativos que ocupan principalmente las portadas. Las figuras se hacen más alargadas y aumentan las curvas, especialmente en los ropajes.

Como última etapa, nos encontramos con el periodo flamígero, que se caracteriza por la utilización de la curva y la contracurva como elemento decorativo. Con estas técnicas se consigue dar movimiento a las figuras. La figura humana se hace más naturalista, convirtiéndose los rostros en auténticos retratos. La escultura se hace totalmente exenta y se difunde la estatuaria funeraria. En el relieve se introduce el paisaje hacia el siglo XV.

Pintura Gótica

La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el gótico. Pierde su lugar natural, el muro.

La técnica más utilizada es la del temple y el óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado más minucioso.

La primera etapa, hacia el 1200, corresponde a la pintura conocida como Gótico Lineal, ya que manifiesta una especial atracción hacia las líneas que definen los contornos. Este tipo de pintura gótica abarca todo el siglo XIII y los comienzos del XIV momento en el que se desarrolla un nuevo estilo.

El nuevo estilo que sucede al lineal es el conocido como Gótico Italiano donde las escuelas de Siena y Florencia alcanzan cotas muy altas. En esta época, los diferentes gremios compiten en la decoración de sus capillas, lo que junto al desarrollo económico hacen que se desarrolle y aumente la pintura gótica.
En este estilo desaparece la línea negra. Quieren conquistar de la técnica, el estudio del espacio, la perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la degradación de los colores.

La última etapa corresponde al Gótico Internacional, a finales del siglo XI. En este periodo las influencias italianas se funden con las francesas y flamencas, obteniendo muy buenos resultados.

Románico

  Desde el siglo VIII, una serie de acontecimientos históricos posibilitaron la renovación y expansión de la cultura europea: la subida al trono de Francia de los Capetos, la consolidación y difusión del cristianismo, el inicio de la Reconquista en la Península Ibérica y, fundamentalmente, el nacimiento de las lenguas románicas, son los hitos que marcaron este resurgimiento.

Sin embargo, el arte hasta alrededor del año 1000, cuando una expansión generalizada en los ámbitos económico y cultural propició un importante crecimiento demográfico en las sociedades occidentales, roturándose nuevas tierras y abriéndose antiguas rutas de comercio, que posibilitaran los caminos de peregrinación.

Toda Europa se vio invadida por una auténtica fiebre constructiva; se había conseguido formular un arte capaz de representar a toda la cristiandad: el románico.

Romanico en Europa 

  En Francia, el Románico alcanzará gran vigor y difusión gracias al Monasterio de Cluny (desaparecido en su mayor parte), centro irradiador del nuevo arte. Sugieron varias escuelas o centros artísticos, cada uno con características particulares y propias.
  

  En Alemania, el Románico siguió la estela del arte otoniano, creando conjuntos arquitectónicos de gran monumentalidad, muchos de los cuales aportan soluciones completamente novedosas, como la solución de doble cabecera o Westwerk.

  En Italia, la herencia clásica y paleocristiana dejó sentir profundamente. Como aportación original, surgió allí el estilo lombardo, un arte prerrománico que se extedería después por otras regiones como Cataluña o Provenza. Los edificios románicos italianos se distinguen por su suntuosidad y decorativismo, a la vez que por su claridad estructural.

  En España, el Románico floreció en los territorios cristianos, al amparo de la ruta de peregrinación jacobea. El Románico español es uno de los más ricos y variados de Europa. Son particulares los influjos islámicos, franceses, lombardos y visigodos que se amalgamaron para crear un estilo propio.

Características de la arquitectura Románica

• el pilar compuesto y de núcleo prismático.
• el arco de medio punto.
• la cubierta de bóveda de medio cañón y de arista.
• la cúpula poligonal sobre trompas.
• los ábsides semicirculares en planta de cruz latina en las iglesias.

A continuación otros de los elementos arquitectónicos propios el estilo:

• contrafuertes muy desarrollados
• arcos doblados y arquivoltas
• capiteles decorados
• impostas, frisos decorativos
• escultura monumental aplicada a la arquitectura.

Vamos a analizar un Templo.

Si nos fijamos en la planta de los primeros, tenemos que decir que están inspirados en la planta basilical romana, por lo que tienen tres naves, aunque más tarde se ampliarán a cinco.

Su transepto es corto y su cabecera termina en forma de ábside.

Poco a poco se configura el prototipo de iglesia de peregrinación con:

• planta de cruz latina,
• con un transepto o crucero largo,
• con una girola o deambulatorio, resultado de la prolongación de las naves laterales,
• y con pequeñas capillas capillas o absidiolos en la cabecera.

Esta es su planta:

Como se observa en esta planta y alzado, la nave central es más alta, por lo que se pueden abrir vamos de pequeño tamaño para iluminar el interior.

A menudo se alza sobre las naves laterales una amplia galeria abierta a la nave central, llamada triforio.

En el lugar donde se cruza la nave central y el transepto suele levantarse una bóveda semiesférica sobre trompas o una cúpula sobre pechinas. Esta bóveda es el cimborrio. Se suele elevar por medio de una literna.

A los pies de la nave central suele situarse una pequeña nave. Si está dentro del templo se llama nártex (como el de la foto), y si está fuera se denomina atrio. En algunos templos las torres se edifican en el atrio.

Los elementos sustentantes del templo son la columna y el pilar.

El pilar se utiliza para soportar el peso de la bóveda. Es un pilar compuesto, de sección cuadrada o cruciforme, al que se adosan columnas o medias columnas. El fuste es bastante bajo y ancho.

Aquí tenemos una foto explicativa de la columna románica.

Hay que destacar los capiteles. En un principio su decoración es de tipo vegetal, aunque con el tiempo se añaden figuras y relieves evagélicos. Tienen una clara función pedagógica, ya que suelen ilustrar a los fieles con los temas de los que se habla en la liturgia cristiana.

El elemento sostenido más utilizado es la bóveda de cañón, que se crea con la prolongación de una arco de medio punto. Se construye en piedra, por lo que para reforzar su enorme peso se utilizan los arcos fajones, que transmiten los empujes de la cubierta a los pilares, y que en el exterior se corresponden con contrafuertes. Además, dividen el espacio en tramos.

Los pilares van unidos entre sí por arcos paralelos al eje de la bóveda, denominados formeros. Aquí teneis un esquema explicativo.

Las bóvedas de arista se forman por el cruce perpendicular de dos bóvedas de cañón. Se usan para cubrir las naves laterales y sirven para repartir mejor los empujes.

Otro tipo de cubierta fue la cúpula (cimborrio) que se sitúa en el crucero del templo.

El arco más utilizado es el de medio punto, es el arco que tiene la forma de un semicírculo.

En edificios como este nos encontramos puertas y ventanas de esta manera:

Las puertas se hallan formadas por una serie de arcos redondos concéntricos y en degradación apoyados en sendas columnillas de suerte que todo el conjunto forma una especie de arco abocinado.

Las ventanas se abren casi siempre en la fachada y en el ábside y algunas veces en los muros laterales. Son bastante más altas que anchas y terminan por arriba en arco doble, generalmente plano o de arista viva apoyado sobre columnitas.Se cierran las ventanas con vidrieras incoloras o de color.

Edificios románicos de Italia

           Catedral de Parma

 Basílica de Ambrosio de Milán

Catedral de Trento

Escultura Románica 

 La escultura románica estaba supeditada a la arquitectura, concebida como parte integrante del edificio. El material preferido es la piedra, pero también se usa la madera, generalmente policromada, el marfil, y el metal. La talla de piedra es plana; la talla se hace más profunda a partir de la segunda mitad del s.XII, los plegados más voluminosos y curvados y las figuras más reales.

La escultura tiene una clara función didáctica, no ornamental. Su finalidad era enseñar a los fieles, por lo general analfabetos, los dogmas y principios del Cristianismo. Era una Biblia en piedra. 
Los capiteles se decoran con temas muy variados, geométricos y vegetales; de fauna fantástica de origen oriental,con escenas del Antiguo y Nuevo Testamento o profanas.

Pintura Románica 

Como la escultura, la pintura está subordinada a la arquitectura. El ábside es el lugar preferido para esta decoración. Su finalidad era didáctica, además de decorativa.

En la pintura mural se usa la técnica del fresco.

El temple es la técnica usada en pintura sobre tabla, estofada con yeso.

El color es intenso pero plano, sin gradaciones ni sombras, y poco variado . Los fondos son lisos. El dibujo es muy lineal, Las figuras están delimitadas por una gruesa línea negra o trazos que en el interior señalan los rasgos más delicados.

Sus temas son casi siempre los mismos que en la escultura, las escenas de la vida de los santos y mártires será lo más representado. La disposición de las figuras y la estética es la misma de la escultura.